Rezensionen zum Edinburgh Art Festival: Nat Raha

Kolonialgeschichte ist zu einem derart vorherrschenden Thema in der zeitgenössischen Kunstpraxis geworden, dass ich mich frage, wie lange diese Anliegen noch den Anspruch erheben können, „marginal“ zu sein. Dennoch setzte das Edinburgh Art Festival seine Plattform für Performance-Arbeiten marginalisierter Stimmen fortNat RahasBriefschreiben (auf Karzeralinseln) (***) am 18. August.

Raha wird als „Dichterin und aktivistische Wissenschaftlerin“ beschrieben, und der Ausgangspunkt ihrer Arbeit, die ein gemeinsamer Auftrag mit dem TULCA Festival of Visual Arts in Galway ist, sind Gefängnisinseln auf der ganzen Welt, meist mit kolonialem Bezug. Nach einer Litanei dieser Namen: „Bass Rock, Robben Island, Alcatraz, Spike Island, St. Helena …“ beginnt Raha mit der Lesung eines komplizierten und langen Gedichts, das so vorgetragen wird, als wäre es eine Reihe von Briefen.

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Beim Lesen mit wenig Variation im Ton scheint es, dass sich Themen anhäufen: Aus Schottland verbannte Covenanters; weiße Kolonialmacht, geschrieben in der Architektur von Edinburgh; die Pläne für ein 400 Millionen Pfund teures „Mega-Gefängnis“ in Glasgow; und es geht immer weiter. Gelegentliche Soundeffekte und Echos machen es etwas performativer, aber die Verbindung zur bildenden Kunst scheint bestenfalls greifbar.

Obwohl es hier viele wichtige Themen gibt – und die Idee des Schreibens als Akt des Überlebens, des Trotzes und des Widerstands eine lange und spannende Geschichte hat – ist der Effekt eine Art kumulative Nivellierung: Inhaftierung, Rebellion, Queer-Rechte, Trans-Rechte, Polizeibrutalität , der Osteraufstand, sie alle werden zu einer einzigen Schmährede zusammengefasst, die die Subtilität eines Boxsacks hat. Man geht eher erschöpft als voller Energie oder informiert davon.

Christian Noelle Charles geht in ihrer Einzelausstellung „What A Feeling!“ auf eine andere Weise mit der Idee des Widerstands um. Akt I (****) bei Edinburgh Printmakers. Sie hat den Galerieraum in einen Schönheitssalon verwandelt, mit weichen Ledersesseln und pinkfarbenem Dekor. Anstelle von Spiegeln sind großformatige „Gettin' ready“-Siebdrucke zu sehen, die fünf schwarze Künstlerinnen und Performerinnen zeigen: Mele Broomes, Saoirse Amira Anis, Alberta Whittle, Cass Ezeki und Sekai Machache, deren Stimmen wir auch im „Radio“ in längerer Länge hören Interviews darüber, was es bedeutet, eine farbige Frau zu sein, die in Schottland in der Kunstbranche arbeitet.

Die Verwandlung des Raums ist optisch beeindruckend und die Idee eines Schönheitssalons hat Resonanz: ein Ort der Sicherheit, an dem Frauen zusammenkommen können, aber auch ein Ort, an dem sie sich auf die Begegnung mit der Welt vorbereiten können. Siebdruck ist ein vielschichtiger Prozess; Diese Bilder sind Reflexionen, aber mehr als das. Man hat das Gefühl, dass sie uns ansehen, sie ansehen.

Die Dynamik ist nicht ganz angenehm. Charles vermittelt das Gefühl einer starken, sich gegenseitig unterstützenden Gemeinschaft, von der sich jedoch viele Zuschauer ausgeschlossen fühlen werden. Während der Ton uns zeigt, womit farbige Frauen zu kämpfen haben, unterstreicht das Werk auch die Stärke ihrer Solidarität. Wenn sie sich gegen die Welt verbünden, frage ich mich, wo der Rest von uns bleibt.

Es gibt ein ähnliches Gefühl weiblicher SolidaritätDa ist etwas im Weg (***), in den Basement Galleries in Summerhall, die während des Festivals weiterhin eine ebenso wichtige Plattform für vielseitige visuelle Kunst wie für Performances sind. Diese Gruppe von Frauen hat sich rund um Edyta Majewskas und Gail McLintocks Forschung zu Frauen, Kunst und Ungleichheit zusammengeschlossen, in der es um die Barrieren geht, mit denen Künstlerinnen konfrontiert sind, darunter Alter, Gesundheit, Klasse, Rasse und Umstände. Bei 91 Prozent der weiblichen Kreativen, mit denen sie gesprochen haben, „wurden die Fortschritte in der Kunst durch Ungleichheiten beeinträchtigt“.

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Bisher geht es um Aufklärung. Aber als Reaktion darauf machen die Frauen Kunst. Lubna Kerr, vor allem als Performerin bekannt, macht eine Installation über die katastrophale Flut, die ihr Haus zerstörte. Eleanor Buffam, eine Künstlerin, Autorin und Musikerin, die mit einer chronischen Krankheit lebt, verwendet Cyanotypie-Bilder von sich selbst, multipliziert und gespiegelt, um Kaleidoskopmuster zu erstellen. Majewska verwendet miniaturisierte Familienfotos, um eine wunderschöne, komplexe Wandskulptur zu schaffen, die sich am besten mit einer Lupe (die im Lieferumfang enthalten ist) betrachten lässt.

Die Hindernisse, mit denen sie konfrontiert sind, werden zu Wasser auf die Mühlen der Kreativität. Dies und das Gefühl der weiblichen Solidarität geben einem trotz der hervorgehobenen Probleme ein positives Gefühl. Kunst ist Kampf, ja, aber Kunst ist auch Heilung.

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Im War Memorial und in den Sciennes Galleries lassen drei Künstler ihre Arbeiten um einen Stil herum kreisen, den sie „lyrischen Minimalismus“ nennenBehelfsmäßig (****). Es besteht eine erstaunliche Harmonie zwischen den Werken von Nicky Hodge, Paul Keir und Alan Shipway in ihrer Feinheit und ihrem experimentellen, provisorischen Charakter. Das ist kein scharfkantiger ideologischer Minimalismus – es ist eine Arbeit, die zwischen der Hand und dem Auge geschieht; ein Vorschlag, eine Frage, eine Improvisation, keine Aussage.

Die Werke spiegeln einander in Farbe und Form wider: Keirs bemalte Holzobjekte, die in offenen Vitrinen ausgestellt sind, Hodges kleine, sanft gesättigte Tongemälde und Shipways (etwas) formellere Gemälde. Die Ähnlichkeiten zwischen ihnen verstärken auch die Unterschiede, ebenso wie die Gesten in den Vordergrund rücken: die spezifische Textur eines Pinselstrichs zum Beispiel.

Wo die Ausstellung ein wenig ins Stocken gerät, sind die größeren Werke in der War Memorial Gallery. Das Vorläufige, das Unvollendete, das im Kleinen fasziniert, funktioniert im Großen weniger gut, als ob es nicht rechtfertigen könnte, mit einer zögerlichen Geste einen größeren Raum einzunehmen.

In der ZwischenzeitKiosk (*****) von Charlie Stiven, Programmdirektor für Malerei am Edinburgh College of Art, fühlt sich einfach einzigartig an. Die streng konstruierten Modellkioske von Stiven passen ideal zu den Glasvitrinen der Lab Gallery.

Sie sind von Kiosken in ganz Europa inspiriert – einfache Straßenarchitektur, in der Zeitungen oder Kaffee verkauft wurden –, sind jedoch keine exakten Kopien, sondern eher Mischungen und Erfindungen, die auf veränderte wirtschaftliche und politische Umstände hinweisen. Alles ist mit Brettern vernagelt und verlassen, als ob die Infrastruktur angesichts einer ungewissen Zukunft zusammenbrechen würde. Eine Liste der Werke am Ende erklärt den Hintergrund zu jedem Werk, aber es wäre ideal gewesen, dies auf einem Handzettel zu haben, um es beim Betrachten lesen zu können.

Jeder Kiosk hat eine andere Geschichte. Bei Grab'n'Go geht es um die Übel des Fastfoods. Happy Days ist ein Diner im Art-Déco-Stil, der einem Erfrischungsstand in der Nähe von Athen nachempfunden ist und in den 1950er Jahren erbaut wurde, als amerikanische Einflüsse in Griechenland ankamen. Bei Farmacia geht es um den Verkauf von Teilen des spanischen Gesundheitssystems, vielleicht nicht ganz legal.

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Best of British ist ein Kiosk am Ende des Piers, auf dem ein abblätternder Union Jack zu sehen ist. Der Pier, der dorthin führt, ist abgeschnitten, so dass es in der Brexit-Isolation versinkt. Im Begleittext heißt es, es gehe um den hohen Anteil an Brexit-Wählern in britischen Küstenstädten, aber er liest sich wie eine heruntergekommene Grabinschrift über das Britentum an sich.

Besonders eindrucksvoll sind die drei dunklen Kioske aus Lemberg mit ihrem österreichisch-ungarischen Jugendstil-trifft-sowjetischen Design. Es ist die Geschichte der Ukraine, eingekapselt in einem Kiosk, bis in die Gegenwart: überall verstreute schwarze Trümmer lassen auf Krieg schließen.

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Die Kioske haben eine Art kleine Brillanz, sie enthalten große Ideen auf eine verständliche Art und Weise, alles verpackt in einem geekigen Modelleisenbahnbau-Charme. Die Details sind makellos, bis hin zu einer Papierpizza noch in der Schachtel, einem Poster für die Ken Dodd Happiness Show. Es ist eines der besten Dinge, die ich dieses Festival gesehen habe.

Synthese: Jenseits des Menschlichen (***) ist eine schwieriger zu verstehende Show. Kuratiert von Scott Hunter und Sam Chapman, stellt es vier Künstler vor, die an einem Gemeinschaftsprogramm teilgenommen haben: Danielle Macleod und Oana Stanciu aus Schottland, Gak Yamada und Yuichiro Higashiji aus Japan. Ihre Arbeit scheint vage mit Vorstellungen von Ritual und Spiritualität zu verschmelzen; Jede Übung beinhaltet Fotografie.

Jeder Künstler hat einen Raum für seine eigene Arbeit, und in einem letzten Raum zeigen sie dann gemeinsame Arbeiten, darunter eine Handvoll Kooperationen. Macleods „tragbare Skulpturen“ aus Geweihen und Bussardflügeln sind beeindruckend, sowohl im Fleisch als auch auf Fotografien. Stancius gefilmte Performances erinnern an alltägliche Rituale, aber noch beeindruckender sind ihre Fotografien, die wirken, als kämen sie direkt aus einem surrealistischen Experiment im Paris des frühen 20. Jahrhunderts.

Yamada macht ziemlich schöne Fotocollagen mit zerbrochenen Fragmenten von wer weiß was, die mit einer Taschenlampe in einem abgedunkelten Raum betrachtet werden. Higashi stellt Bergskulpturen her, indem er gebundene Papierbände durchschneidet und sie fotografiert. Alle sind interessant, aber die Dialoge wirken zögernd und unruhig. Man vermutet, dass es bei dem kollaborativen Element dieses Projekts um Prozesse und Lernen geht und dass es für die Künstler selbst von größerem Wert ist als für das Publikum.

Christian Noelle Charles bis 17. September; Summerhall-Shows bis zum 24. September